Дарья-Татьяна Мухина — художница, которая работает с графикой и керамикой. Училась в Тверском художественном училище имени А. Г. Венецианова. В своих работах передает любовь и радость от процесса созерцания действительности. Наблюдения за окружающим миром переплетаются в работах Дарьи с личной рефлексией и воспоминаниями: вместе они формируют образный язык, в котором важную роль играет символика линий и цветовых акцентов.

Работа «Протея» выполнена гелиевой ручкой на чертежной бумаге и построена на наблюдении за цветком, который стоит на рабочем столе художницы. Протея привлекает Дарью-Татьяну Мухину своей двойственной природой: резкая, колючая форма кажется агрессивной, однако ближайшее рассмотрение раскрывает мягкость бархатистых лепестков и пушистой сердцевины. Этот контраст становится основой изображения, где каждая линия работает как выразительный знак, фиксируя одновременно внешнюю остроту формы и скрытую внутреннюю мягкость.

Ольга Афонина — художница-керамист. Работает с материалом более 10 лет. В своей практике обращается к темам разрушения и непостоянства, находя в них особую форму красоты.
Художница исследует состояния, которые на первый взгляд кажутся тревожными или непостижимыми, и раскрывает их как источник эстетического опыта. В центре ее внимания — связь между мыслью, формой, чувством и эмоцией, которые соединяются в одну систему и определяют образ работы.

Серия тактильных созерцательных бокалов, фактура на которых тщательно наносится в течение нескольких дней. Их уникальность рождается естественным образом: на объектах нет одинаковых узоров, и повторить их в точности невозможно. Органические структуры вызывают тишину и движение, и тем самым передают ощущение спокойной устойчивости природы.

Юлия Момотова — художница из Ростова-на-Дону. Работы Юлии исследуют влияние античности на современную культуру. Через известные эллинистические сюжеты она проводит параллель между прошлым и настоящим. Основная технология изготовления работ — pate de verre, спекание стеклянной крошки.

Рельеф с изображением Амура и Психеи был разбит в процессе транспортировки и позже собран заново. Появившиеся трещины стали частью образа: теперь они напоминают о хрупкости как материала, так и самих чувств. Воссозданный образ стал метафорой опыта: восстановление может привнести в разрушенное новую глубину.

Диана Сорсорова — скульптор и график из Ростова-на-Дону. В центре ее художественного интереса находится человек и пластика его повседневных движений. Художницу привлекают простые, почти незаметные жесты и состояния, в которых проявляется естественная выразительность человеческой фигуры.
В своей практике Сорсорова обращается к темам личного опыта и формирования личности. Одной из ключевых для нее становится тема родительской опоры — физической и эмоциональной поддержки, которая сопровождает человека с первых дней жизни и остается важной на разных этапах взросления.

Панно выполнено из металла — материала, который художница связывает с идеями прочности и надежности. По сторонам композиции располагаются два условных человеческих образа: один построен на более резких, угловатых формах, другой — на мягких и плавных линиях. Эти фигуры соотносятся с образами родительской поддержки. Отражаясь в поверхности работы, зритель становится частью композиции и оказывается между фигурами, завершая образ и занимая место того, кому предназначена опора.

Анна Дерябова — художница, работающая преимущественно в технике акварельной гравюры на дереве, известной как мокуханга. Ее художественный интерес сосредоточен на природе, ее формах и состояниях, которые она передает через деликатную работу с текстурой и цветом.
Художница получила образование в МГХПА имени Строганова, а затем изучала традиционную японскую гравюру в лаборатории Mi-lab Mokuhanga Laboratory. Сегодня она является резидентом галереи «Объединение» и продолжает исследовать возможности мокуханги в сочетании с современным художественным языком.

Представленные работы художница сделала в технике мокуханга  — вырезала изображение на деревянной дощечке, нанесла на нее акварель и пасту из водорослей нори, а затем сделала отпечаток на волокнистой бумаге Washi, чем-то напоминающей рисовую, но гораздо прочнее и толще. В мокуханге используются только водные краски, а печать осуществляется по мокрой бумаге и влажным доскам. Для каждого цвета нужна отдельная доска, и при наложении цвет усложняется, при этом иногда сохраняется текстура дерева.

Никита Дьяченко — художник, чья практика строится на внимательном наблюдении за взаимодействием человека и окружающей среды. В своих работах он обращается как к природе внешнего мира, так и к внутренней природе человека — и стремится уловить тонкие состояния гармонии или напряжения, возникающие в этом соприкосновении.
Визуальный язык художника формируется из впечатлений повседневности — знакомых ландшафтов, бытовых сцен и образов близких людей, через которые раскрывается изменчивость и хрупкость настоящего момента.

В работах Никиты Дьяченко важную роль играет сама поверхность. В серии, представленной на выставке, художник использует основу из ДСП. Тушь, перо и скальпель становятся инструментами деликатного взаимодействия с плоскостью: изображение не столько наносится на нее, сколько проявляется через бережное вмешательство. Такой метод позволяет сохранить фактуру и сделать материал активным участником художественного процесса.

Артур Маковский — художник из Твери, который работает с витражом и городскими интервенциями. Он начал активно заниматься витражной техникой в 2024 году. В своей практике Маковский соединяет традицию витражного искусства с практиками стрит-арта, размещая работы непосредственно в пространстве города. Среди художественных ориентиров автора — экспрессионизм и авангард начала 20 века, а также классическая витражная традиция — от средневековых соборов до работ Луиса Тиффани и мастеров модерна.
Первые проекты художника представляли собой небольшие витражные изображения птиц, которые он размещал в разных точках Твери. Со временем эта инициатива превратилась в городской квест: жители начали искать спрятанные объекты, а сам проект стал развиваться и приобретать новые формы. Сегодня Маковский продолжает работать с редким видом стрит-арта — витражными инсталляциями в городской среде, и исследует их взаимодействие с архитектурой и повседневной жизнью города.

Витраж «Лотос» был создан летом 2025 года и установлен в решетке калитки у здания тверского онкодиспансера. Идея работы возникла из наблюдения за узором ограды и общей атмосферой пространства, которое показалось художнику холодным и монотонным. Витраж задумывался как яркий акцент в городской среде — образ, способный внести в нее цвет и ощущение жизни. Выбор символа лотоса связан с темой обновления и перерождения. При проходе через цветное стекло солнечный свет создавал на земле цветные отражения, временно преобразуя привычное пространство. Спустя некоторое время витраж был поврежден, однако центральный образ цветка уцелел. Этот опыт стал для художника частью исследования хрупкости витража и его взаимодействия с реальностью городской среды, в которой красота и уязвимость неизбежно сталкиваются с жесткой повседневностью.

Майя Харитонова — междисциплинарная художница. Основной материал в её работе — керамика, с недавнего времени она также работает с текстилем, стеклом и эпоксидной смолой. Автор исследует ощущение случайности и нестабильности. Её объекты создаются из осколков и обрывков, соединенных воедино так, словно они не должны были сосуществовать. Композиции сохраняют хрупкость и находятся в постоянном ожидании разрушения, отражая непредсказуемость жизни и тонкую связь между формой и случаем.

Ткань, прожженная в разных местах, символизирует сложный путь материнства — испытания, которые оставляют шрамы на теле и душе. Каждая жемчужина и бисеринка, пришитые к обожженным участкам, отражает моменты исцеления, когда боль превращается в силу и опыт. Работа фиксирует трансформацию трудностей в красоту и внутреннюю устойчивость.

Серия предметов объединена формой, напоминающей камень. Каждый объект сохраняет след переживания и становится материальной капсулой памяти. Камень фиксирует оставшееся после чувства и открывает пространство для личной интерпретации.

Анна Третьяк — скульптор по стеклу. Родилась и выросла в городе Белово Кемеровской области. В 2019 году окончила Кемеровский областной художественный колледж, кафедру художественной керамики. В 2023 окончила Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица, отделение Художественного стекла. 
Умение работать со стеклом и керамикой на профессиональном уровне помогает Анне создавать необычные проекты и гармонично совмещать в своих работах разные материалы. Работы Анны Третьяк выставлялись в российских галереях и выигрывали призовые места в международных и всероссийских конкурсах.

Новая серия функциональных скульптур Анны Третьяк обращается к тактильному восприятию, пробуждая желание прикоснуться, почувствовать форму и материал объектов. В мире, насыщенном визуальными стимулами и лишенном физического взаимодействия, эти объекты возвращают внимание к телесному опыту — тактильному контакту, изучению поверхности и формы.
Круглые формы и ритмическая структура, выстроенная на пересечении вертикалей и горизонталей, образуют свой визуальный язык. Декоративные формы выполнены из серого и бесцветного стекла, обратная сторона изделия украшена гравировкой. Подставки созданы из сосны.

Наталья Косовец — художница по текстилю. Работает в технике иглопробивания (фильцевания), при которой нижний слой ткани пробивается через верхний специальной иглой, а волокна переплетаются, образуя единое полотно. Для работы использует остатки тканей от производства штор и портьер, комбинирует органзу, шерсть, шелк и окрашенные вручную волокна. Все это помогает Наталье создавать богатую текстуру и живую поверхность работ.
Арт-объекты Натальи Косовец не воспроизводят образы напрямую, а вызывают ощущения, воспоминания, связывают пейзаж и личную память. Работы художницы приглашают замедлиться и ощутить глубинные эмоции, которые находятся за пределами видимой поверхности.

Работа посвящена эфемерной природе цветов. Красота приходит и уходит: иногда медленно, позволяя наблюдать за процессом увядания. Панно фиксирует этот переходный момент — исчезновение как часть жизни и памяти.

Дарья Иукканен — художник-керамист. Окончила кафедру декоративно-прикладного искусства СПбГУ и магистратуру МГХПА имени С. Г. Строганова. Является членом Союза художников России.

Полина Уварова — художница, которая работает с графикой, инсталляцией и скульптурой. Окончила кафедру художественной обработки металла СПбГХПА имени А. Л. Штиглица.

Художественный дуэт Иукканен и Уваровой начал совместную работу над серией «Альбом» в 2024 году. Это произошло во время художественной лаборатории МОММА «Выход в город», которая проходила в Архангельске. Первоначальной целью проекта была выставка в пространстве фестиваля «Белый Июнь». Авторы выбрали тему северных растений и наблюдения за ними — и создали серию листов-объектов из керамики и металла, повторяющих страницы оцифрованного гербария МГУ. После возвращения из Архангельска дуэт продолжил развивать идею внимательного отношения к природным формам и создал еще несколько объектов серии.

Вика Утикалко — современная художница. Фундаментальную роль в искусстве Вики играют фарфор и глина, а сами работы формируются на пересечении графики, живописи, фотографии и прикладного искусства.

Работа «Я уже взрослая?» отражает переходный момент между детством и взрослой жизнью. Вика фиксирует осознание того, как постепенно формируются повседневные обязанности — покупки, планирование домашних дел, задачи на месяц — и чувство, что привычный мир меняется. После того как объект разбился, автор вместе с подругой-художницей по стеклу Симой Васильевой собрала его заново, спаяв как витраж. Так было материализировано ощущение взросления — сбор себя по кусочкам, с трещинами, но с сохранением целостности и эмоциональной глубины.

Серафима Васильева — художница из Санкт-Петербурга. В 2023 году окончила СПГХПА им. А. Л. Штиглица по направлению «Художественное стекло». После выпуска год жила в Бангкоке, где сотрудничала с местными стекольщиками и расширяла возможности работы с материалом.
В своем искусстве Серафима Васильева исследует различные состояния души, обращаясь к хрупким и уязвимым чувствам. Она работает со стеклом, папье-маше, живописью и смешанными техниками. Ее работы приглашают к диалогу с внутренним ребенком и создают пространство безопасности в тревожном мире.

Объекты серии «Я на да-че» вдохновлены беззаботным детством, воспоминаниями о семейном круге, бабушкиных сказках и окружающей природе. Работы «Водяной» и «Саженец» — интерьерные объекты, напоминающие о чудесах окружающего мира. Серия привносит в дом ощущение лета и обращается к внутреннему ребенку.

Анастасия Дуленко — художница-керамист, которая работает на пересечении декоративно-прикладного искусства и объектного дизайна. Ее путь в керамике начался в 2016 году, когда она самостоятельно начала осваивать ремесло. Некоторое время художница занималась производством серийной посуды, однако со временем сосредоточилась на авторской практике и исследовании формы. В своих работах она экспериментирует с различными керамическими техниками — шамотом, шликерным литьем, графикой по глине — а также обращается к соединению керамики с другими материалами, такими как дерево, кожа, стекло и войлок.

Керамический столик «Бося» из коллекции «На ножках» выполнен методом ручного формования из шамота. Его мягкая пластика и устойчивые опоры придают предмету антропоморфный характер, превращая его в своеобразного персонажа. Художница соединяет функциональность и игровое начало — и создает объект, который одновременно работает как предмет мебели и самостоятельная скульптурная форма.

Костя Корка — художник и мастер, работающий с традиционной японской техникой кинцуги. В 2015 году открыл первую в России мастерскую, специализирующуюся на таком способе реставрации.
В работе используются только натуральные материалы: лак уруси, рис, золото и серебро. Принципиально важно, что после восстановления предмет сохраняет свою функцию — им можно продолжать пользоваться в повседневной жизни.

Две чаши, близкие по форме, воспринимаются по-разному. Одна напоминает металлическую поверхность, покрытую полипами, с заплатами ржавого оттенка. Другая ассоциируется с камнем на побережье — с матовыми вставками и резьбой, повторяющей органические формы.
Обе работы имеют многослойное цветное покрытие. Со временем, в процессе использования, на поверхности будут проявляться новые оттенки, и объекты постепенно изменят свой облик. Чаши рассчитаны на взаимодействие с владельцем — именно в этом процессе они раскрываются и продолжают формироваться.

Полина Камардина родилась в Твери в 1996 году. В момент поступления в художественное училище выбрала живописное отделение. Опыт живописца позволил взглянуть на искусство в целом и на процесс создания керамики в частности под новым углом. Цвет, текстура поверхности, идея и сама суть произведения — все это приобрело новый смысл и нашло отражение в работах Камардиной.
С 2017 года Полина участвует в международных выставках искусства, с 2019-го — является членом Союза художников России. В 2020-м окончила школу современного искусства «Свободные мастерские» в МОММА.

Изображение женской формы как чего-то сакрального всегда волновало человека. Чтобы подтвердить этот тезис, можно вспомнить фигурки Палеолитические Венер и  скульптуры древней Греции. Серия «Нимфы» — одновременно реальные и божественные существа, принимающие различные формы.  В них женская форма отображается как нечто изменчивое, совершенное и таинственное.  Художница запечатлела в них  гармонию, совершенство и мягкость, и при этом — невероятную устойчивость и силу.

Дарина Дмитриева — художница и керамист, работает на стыке традиционного ремесла и современного искусства. Получив образование архитектора-реставратора в СПбГАСУ, она несколько лет работала в области реставрации архитектуры, а затем в Эрмитаже реставратором керамики и стекла. Именно там Дмитриева познакомилась с материалом, который стал для нее средством самовыражения.
Сегодня Дарина сочетает профессиональную реставрацию с самостоятельной художественной практикой, развивает собственные идеи и техники. Среди ключевых событий последних лет: участие в конкурсах «Придумано и сделано в России», выставки «Поверхности. Михаил Крунов. Дарина Дмитриева» в галерее ULM, «След времени / Свет внутри», а также участие в ярмарке Cosmoscow в составе галереи Space Four.

Серия ваз «Не/достатки» — исследование красоты в несовершенстве. В каждой вазе угадывается первоначальная форма сосуда, но утраченные фрагменты вызывают вопросы: «Зачем такой предмет? Есть ли у него предназначение?» Функцию объекта определяет человек: поставленный в вазу цветок оживляет объект и превращает его из обломка в полноценный предмет.
Недостающие части делают каждую вазу уникальной и одновременно подчеркивают ее назначение. Они открывают внутренний объем сосуда и линию стебля, позволяют увидеть то, что обычно скрыто, и раскрывают эстетику несовершенства через внимательное наблюдение за вещью и миром вокруг.

ЮН-1−1 — творческий дуэт Ильи Кипяткова и Василины Шишкиной. Оба художника окончили СПГХПА им. А. Л. Штиглица, где освоили традиционные ремесленные техники и работу с материалом. Название группы расшифровывается как «Юные натуралисты» и отражает стремление авторов перенести наблюдения за природой в плоскость современного предметного искусства. Их подход сочетает интуицию, эксперименты с материалом и диалог с мастерами прошлого.

Скульптуры ЮН-1−1 исследуют взаимодействие человека и природы, создавая техногенную версию живого мира. Авторы формируют «океан», в котором «выращивают» невиданных существ. Каркас объектов делают из латунной сетки, которую погружают в ванну с электролитом синего цвета. Под воздействием электричества медь постепенно покрывает сетку, формируя новое тело. На первом этапе поверхность сохраняет нежно-розовый оттенок, а после соприкосновения с окружающей средой постепенно окисляется, приобретая сложный, глубоко насыщенный цвет. Каждый объект фиксирует момент «рождения» и последующее старение, превращаясь в уникальный артефакт на границе природы и технологии.

текст